Ausstellungstexte

Einige der in Matsumoto gezeigten Werke sind in Gropius Baus Retrospektive zu sehen. Ihre Wirbel- und Punktmuster bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration. Für diese Arbeiten auf Papier verwendete Kusama Tusche, Aquarell-, Tempera- und Pastellfarben. Die Werktitel beschreiben Flora und Fauna, wie zum Beispiel Tree, The Bud und The World of Insect. Kusama beobachtete und skizzierte Blumen und Tiere in der alpinen Landschaft von Nagano, was diese Zeichnungen beeinflusst haben wird.

Die Ausstellungen im März und Oktober waren sich so ähnlich, dass sie heute auf Fotos kaum noch zu unterscheiden sind. Doch Kusama zeigte in dieser zweiten Ausstellung deutlich mehr Werke, denn sie war getrieben von der Faszination, Betrachter* innen in eine Kusama-Welt eintauchen zu lassen – unsere Körper mit Kunst zu umhüllen. Sie wollte einen Raum schaffen, der über die Grenzen des Körpers und der Sprache hinausgeht. Wie sie erklärte: „Ich zeichne, weil ich mich nicht in Worten ausdrücken kann.”

In diesem Raum befinden sich zwei großformatige Fotografien. Eine zeigt Kusama in ihrem Elternhaus in einer von ihr entworfenen Bluse sitzend, umgeben von ihren frühen Aquarellen. Die andere Fotografie zeigt eine Installationsansicht ihrer ersten Ausstellung in Matsumoto.

Die Galerieräume befanden sich im Erdgeschoss und die Besucher*innen traten durch einen schmalen, dunklen Korridor ein. Man kam in einen beleuchteten Raum mit schwarzen Wänden und einer schwarzen Decke, in dem sich ein großes Ruderboot mit Stoffphalli befand. An den Wänden hingen Plakate, die in reproduzierter Form das Bild des Boots wiedergaben.

Diese Arbeit ist ein frühes Beispiel von Kusamas akkumulativen Skulpturen (Accumulations), die Alltagsgegenstände mit phallischen Formen verbinden. Bestehend aus Stoff, der mit Baumwolle ausgestopft wurde, erinnern diese Formen auch an Korallen und Wurzelstrukturen von Pflanzen. Kusama sah in diesen die Möglichkeit ihre, wie sie beschrieb, „Angst vor Sex” auszudrücken, die auf ein Kindheitstrauma zurückführt: Sie war von ihrer Mutter aufgefordert worden, ihrem Vater nachzuspionieren und wurde so Zeugin seiner Affären.

Die großformatige Fotografie in diesem Raum zeigt Kusama, wie sie in dieser Ausstellung nackt auf dem Boot sitzt. Sie platzierte sich selbst in die Installation, um an Besucher*innen zu vermitteln, mit dem eigenen Körpern in die Kusama-Welt eintauchen zu können – wenn auch bekleidet.

Bei der Eröffnung waren die Besucher*innen dazu eingeladen, den Raum barfuß zu betreten und eine Auflösung der normalen Zeit und des Raumes zu erleben, indem sie den Weg in Richtung Unendlichkeit beschritten: Beim Betreten eines schmalen Pfades, der den Raum in zwei Teile trennte, verschwand der Boden unter Kusamas Accumulations – weiche, weiße, phallische Formen, übersät mit roten Punkten. Die Pressemitteilung der Galerie beschrieb die Arbeit als „ein fröhliches Märchenland organischer Auswüchse”.

Jeder Punkt stand für Kusamas Auffassung der Selbstauflösung. Sie wollte die Trennung von Mensch und Objekt aufheben, damit sie und das Publikum Teil des Werks wurden. Wie Kusama sagte: „Für Phalli’s Field wollte ich zeigen, dass ich eines der Elemente bin – einer der Punkte zwischen den Millionen von Punkten im Universum. Indem ich mich für diese Arbeit inmitten der unendlichen Polka Dots einbette, wird meine mentale Kraft als Polka Dot gestärkt.”

Die großformatige Fotografie in diesem Raum zeigt Kusama in einem roten Ganzkörperanzug, auf den Stoffphalli in dem Infinity Mirror Room liegend. In dieser Phase ihrer Karriere war sie enorm produktiv; ihre künstlerische Persona und Präsenz wurden zum Bestandteil jeder Ausstellung und Performance.

Drei Räume waren mit Teppichboden ausgelegt. Im Hintergrund lief der Beatles- Song „Michelle”, was die immersive Atmosphäre zusätzlich verstärkte. Zwei große Infinity Net Gemälde hingen an den Wänden und wurden durch rote, blaue und pinkfarbene Schaufensterpuppen ergänzt, die mit gelben und grünen Polka Dots übersät waren. Makkaroni bedeckten den Boden, einen Mantel, eine Jacke und eine Handtasche.

Der WDR (Westdeutscher Rundfunk) produzierte eine Dokumentation über die Ausstellung für das Fernsehen. Auf einer der großformatigen Fotografien ist Kusama mit dem Kamerateam zu sehen. Eine weitere Fotografie zeigt die Installationsansicht der Driving Image Show in Essen. Kusama nutzte die Raumwelt der Ausstellung als Bühnenbild für Performances, wobei ihr eigener Körper mit dieser verschmolz. Für Kusama war es der Akt der Selbstauflösung; man könnte es auch als Vorbote der heutigen Selfie-Kultur verstehen, die unsere individuelle Subjektivität in den Mittelpunkt stellt.

Die Ausstellung entstand aus der Verbindung Kusamas mit Udo Kultermann, dem damaligen Direktor des Museums Morsbroich, Leverkusen. Er hatte 1959 Rezensionen ihrer ersten Einzelausstellung in der New Yorker Brata Gallery gelesen und beeinflusste von da an den Verlauf ihrer Karriere in Europa.

1500 silberne Spiegelkugeln bildeten zusammen ein reflektierendes Feld, wovon einige am Gropius Bau gezeigt werden. Die großformatige Fotografie in diesem Raum zeigt, wie Kusama eine der Kugeln in die Luft wirft. Der Titel der Arbeit verweist auf Narziss, der in der griechischen Mythologie sein Spiegelbild im Wasser einer Quelle sieht und sich darin verliebt; seine Selbstbesessenheit führt schließlich zu seinem Tod. Kusamas Interesse an diesem Mythos war nicht morbide. Vielmehr ging es ihr darum, wie endloses Spiegeln zur Selbstauflösung und zur Verschmelzung des Körpers mit seiner Umgebung führen kann.

In einen goldschimmernden Kimono gekleidet, stand Kusama inmitten der Kugeln und verkaufte sie an Biennale-Besucher*innen für zwei US-Dollar pro Stück. Zusätzlich verteilte sie Flugblätter mit einem Text von Herbert Read über ihre Arbeit. Viele Künstler*innen übernahmen in dieser Zeit die Idee des Auflagenobjekts, um ein breiteres Käufer*innenspektrum zu erreichen und Kunst zugänglich zu machen. Das Büro der Biennale untersagte Kusama jedoch die Weiterführung der Geschäfte und verglich ihre Aktivität mit dem „Verkauf von Eiscreme”.

1993 erhielt Kusama eine offizielle Einladung, den japanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig zu bespielen, der von Akira Tatehata kuratiert wurde.

Im Inneren schuf Kusama eine psychedelische, hypnotisierende Welt. Am Boden und an den Wänden waren Spiegel installiert, an der Decke blinkende Lichter in Gelb, Grün, Blau und Rot. Diese beschleunigten sich kontinuierlich in neun Zyklen und bildeten insgesamt 17 verschiedene Muster, die an eine unendliche Bienenwaben-Struktur erinnerten, während im Hintergrund Musik der Beatles lief.

Der Kunstkritiker Peter Schjeldahl schilderte für die Zeitschrift ARTnews sein Erlebnis als „ein tiefenloses, schwindendes Lichtermeer – in der weitesten Ferne eine schimmernde Milchstraße – und dazu tausend oder mehr Spiegelungen des eigenen Gesichts und des Gesichts der Person am anderen Guckloch.”

Kusama verteilte bei der Ausstellungseröffnung Ansteckknöpfe mit dem Slogan Love Forever. Eine weitere großformatige Fotografie in diesem Raum zeigt die scheinbar mit dem Raum verschmelzende Künstlerin, die einen roten Ganzkörperanzug trägt. Kusama beschrieb ihr Interesse an der Selbstauflösung folgendermaßen: „Dies war die Materialisierung eines Rauschzustandes, den ich selbst erlebt hatte und in dem mein Geist davongetragen wurde, um auf der Schwelle zwischen Leben und Tod zu wandern.”

Ein Jahr später entstand der psychedelische 16-mm-Film, Kusama’s Self-Obliteration, den sie mit dem Künstler Jud Yalkut produzierte. Hierin zeigte sich die Künstlerin in einem traumähnlichen Zustand mit ihrer Umgebung verschmolzen. In einer Szene klebt sie Polka Dots auf ein Pferd und reitet davon, in einer anderen versinkt sie zwischen Seerosen und bemalt die Wasseroberfläche mit sich auflösenden Punkten.

Ab 1967 gestaltete Kusama psychedelische, audiovisuelle Lichtshows in Underground-Klubs und veranstaltete sogenannte Naked Body Festivals und Orgy Parties auf öffentlichen Plätzen in New York. Sie löste eine öffentliche Kontroverse aus, indem sie nackte Körper mit Polka Dots bemalte, wie es die Filme Love-In Festival (1969) und Flower Orgy (1968) veranschaulichen.

Die 1960er Jahre waren eine Zeit des politischen Wandels in den Vereinigten Staaten: Homosexualität wurde 1961 entkriminalisiert, drei Jahre später erklärte der Civil Rights Act die Rassentrennung für illegal. Kusama hatte eine beständige Anti-Kriegs-Haltung. Ihre Happenings entwickelten eine politische Dimension, in deren Rahmen sie an Protesten gegen den Vietnamkrieg teilnahm. Anlässlich einer Performance schrieb sie sogar einen Brief an den Politiker Richard Nixon, in dem es hieß: „Wir wollen uns selbst vergessen, liebster Richard, und eins werden mit dem Absoluten [...] und schließlich die nackte Wahrheit entdecken: Gewalt lässt sich nicht ausrotten, indem man mehr Gewalt anwendet.”

Kusama nutzte ihr gesamtes visuelles Repertoire: ihre Infinity Nets, Polka Dots und Kürbisse – die mittlerweile zu ihren charakteristischen Motiven geworden waren – sowie ihre Accumulations und Phalli. Sie organisierte eine Diashow mit Schwarz-Weiß-Fotografien ihrer Happenings, die nicht in der Ausstellung gezeigt werden konnten und lud den Fotografen Shigeo Anzai zum Gespräch ein.

Obwohl Kusama unterschiedliche Materialien in ihren Werken verwendete, waren Handschuhe ein wiederkehrendes Merkmal – auch in dieser Schau. Sie bezeichnete diese als „Protuberanzen”, was auf ihre Sex-Obsessionen hinwies. In den Arbeiten geht es um Berührung: eine Unmenge von Händen, die sowohl intime Beziehung suggerieren als auch einen Albtraum. Mit dieser Schau wollte Kusama zeigen, wie es wäre, in einer vollkommenen Kusama-Welt zu leben. Sie sagte: „Werden Sie eins mit der Ewigkeit. Löschen Sie Ihre Persönlichkeit aus. Werden Sie Teil ihrer Umgebung. Vergessen Sie sich selbst.”

Die Fotografien im nächsten Raum zeigen Installationsaufnahmen von Kusama beim Vorbereiten ihrer Ausstellung.

Die kühnen Motive tauchten zunehmend in Kusamas Modestücken der 2000er Jahre auf und ließen die Grenze zwischen ihren unterschiedlichen Medien verschwimmen. Eine großformative Fotografie in diesem Raum zeigt Kusama in einem Kleid vor einem Gemälde mit identischem Motiv.

Ihre Accumulations wurden immer anspruchsvoller und fingen an, wie surreale, psychedelische Pflanzen auszusehen: Handgenähte Phalli entspringen aus Stoffstängeln und bersten in eine weiche Blütenstaubmasse. Kusama betonte, dass diese Bilder aus den Tiefen ihres Geists kommen: „Es entspringt [...] dem sich wiederholenden Bild in mir. Wenn man diesem Bild Freiheit gibt, wächst es über die Grenzen von Zeit und Raum hinaus.”

Nachdem Kusama in den 1960er Jahren viele ihrer kleineren Accumulations mit Silber- und Goldfarbe besprüht hatte, weitete sie ihre Vision in Objekten wie Dressing Table (1990) aus. Aus allen Oberflächen der silberglänzenden Arbeit treten Phalli hervor. Nur der Spiegel bleibt unbedeckt; in ihm wird das Abbild des*der Betrachter*in eingefangen und somit zu einem Teil von Kusamas Welt. Die zweite großformative Fotografie in diesem Raum zeigt Kusama beim Blick in eben diesen Spiegel.

Diese Schwarz-Weiß-Zeichnungen werden mit Filzstift angefertigt, wobei die endgültige Arbeit im Siebdruckverfahren aufgedruckt wird. Durch die Wiederholung der Motive werden die Leinwände regelrecht von verschieden großen Punkten und Kringeln verschlungen. Große schwarze Pupillen unzähliger Augen starren den*die Betrachter*in an; immer wieder wird das Profil einer Person angedeutet. Man könnte sie auch als Landschaften verstehen, als kleine Häuser in dichten Reihen oder Meereswellen, die ans Ufer schwappen.

Diese Arbeiten sind Fenster, die Einblicke in Kusamas Welt gewähren. Es sind Formen, die sie imaginiert und Halluzinationen, die sie seit vielen Jahren durchlebt. Ihre Punktfelder und Netze wie auch ihre großflächigen Erlebnisräume sind das Resultat dieser Visionen. Kusama stellt Fragen wie: „Existieren unendliche Unendlichkeiten jenseits unseres Universums?” Mit dieser Serie scheint sie bewusst zu hinterfragen, wo wir beginnen und wo unsere Umgebung endet.

Kusamas Wiederholung von Mustern ist das Kernelement ihres Schaffens und ein Versuch, ihren eigenen geistigen Obsessionen zu entfliehen. Mit der Entscheidung, ihre Vorstellung von Angst zu malen, versucht sie, diese durch Selbstauflösung zu neutralisieren: „Ich male sie in großen Mengen, dadurch versuche ich zu entkommen.” Möglicherweise ist dies ihre Rettung.

Kusamas erster Infinity Mirror Room war Phalli’s Field, den sie 1965 für die Ausstellung Floor Show in der Castellane Gallery schuf. Diese Arbeit wird hier im Gropius Bau gezeigt und erzeugt Reflexionen in einer unendlich wiederkehrenden Sequenz. 1966 präsentierte Kusama einen hexagonalen Infinity Mirror Room für eine weitere Ausstellung in der Castellane Gallery unter dem Titel Kusama’s Peep Show or Endless Love Show. Auch diese Installation ist hier im Gropius Bau zu sehen. Die Betrachter*innen können das Werk erleben, indem sie durch zwei Fenster in den Raum hineinsschauen.

Kusamas Interesse, die Betrachter*innen in ihre Arbeiten einzubeziehen, geht weit über ihre Installationen hinaus. Die rasterartige Hängung ihrer Gemäldeserien Love Forever und My Eternal Soul bilden einen unendlichen Raum, bestehend aus Muster, Form und Farbe.

Mit ihrem neuen Infinity Mirror Room führt Kusama die Idee der Selbstauflösung weiter fort – das Individuum verschmilzt mit dem weiten Universum. Dabei hat sie die Absicht, den Körper auf eine Art und Weise zu umhüllen, die der heutigen Faszination für die virtuelle Realität entspricht. Für Kusama ist die Unendlichkeit ein hypnotischer kosmischer Raum, der größer ist als jedes Individuum und in dem sich die Besucher*innen individuell auflösen können.

Indem Kusama ihre Leinwände flach auf einen Tisch legt und nah an der Oberfläche arbeitet, bemalt sie den Bildträger zunächst nur mit einer Farbe, um anschließend mit diversen Pinseln oder einem schwarzen Marker ihre obsessiven Muster zu malen. Ursprünglich sollte die Serie hundert Arbeiten umfassen, doch inzwischen sind es weit über siebenhundert. Kusamas täglicher Schaffensprozess scheint kein Ende zu nehmen. Im Gropius Bau sind 62 Werke der Serie ausgestellt. Und sie hat nicht vor, ihren täglichen Schaffensprozess zu beenden, der in der Regel ein bis mehrere Tage andauert.

Kusama ist stets daran interessiert, ein immersives Erlebnis für ihr Publikum zu schaffen und präsentiert die Gemälde in Rastern, so dass sich die Bildkanten knapp berühren und das Auge des*der Betrachter*in sich über das Feld bewegen kann. Dies gibt unserem Körper das Gefühl, in einem unendlichen Farb- und Bewegungsraum zu sein.

Kusamas Werk ist ein in sich geschlossener Kreis. Der einzige Unterschied zu den Anfängen ihrer Karriere, als sie 1952 inmitten ihrer Werke in Matsumoto fotografiert wurde, liegt in der Inszenierung dieses Moments für die Kamera. Heute taucht der*die Betrachter*in unweigerlich kopfüber in ein alles verschlingendes Kusama-Universum, in dem die äußere Welt ihre innere Welt vollständig widerspiegelt.