Samstag 27. August 2011 | 18:00 – 2:00Ort: Martin-Gropius-Bau19:00 und 21:00Der Chor der Deutsch-Japanischen Gesellschaft Berlin pr&auml;sentiert im Lichthof des Martin-Gropius-Baus japanische Lieder.Dirigent Soichi KobayashiPianistin Ikumi Takahashi18:00 | 20:00 | 22:00Kurzf&uuml;hrungen durch die die Ausstellung „Hokusai – Retrospektive“Dauer: 30 Min.je F&uuml;hrung max. 20 Personen

Gropius Bau

Gropius Bau 2023

Lange Nacht der Museen und Jubiläumsfest 2011 der Berliner Festspiele

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Mitten in Berlin gelegen, ist der Gropius Bau ein lebendiger Ort für Begegnungen mit Kunst und miteinander. Als international bedeutendes Ausstellungshaus bietet er Raum für große Ausstellungen und Performances zeitgenössischer Künstler*innen. 

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Aktuell sind keine Ausstellungen im Gropius Bau zu sehen.

Geschlossen

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Gropius Bau 2026

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Mit unseren Newslettern halten wir euch auf dem Laufenden &uuml;ber aktuelle und kommende Ausstellungen und Veranstaltungen. Plant euren n&auml;chsten Besuch oder erfahrt mehr &uuml;ber unser Programm f&uuml;r Kinder.

Alle Termine auf einen Blick

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Wir freuen uns, euch im M&auml;rz wiederzusehen!

Aktuell ist der Gropius Bau wegen Ausstellungsvorbereitungen geschlossen. Unser Restaurant Beba und unsere Buchhandlung &ouml;ffnen wieder am 4. M&auml;rz, bevor unser Fr&uuml;hjahrsprogramm mit einer Performance von <a href="${link:{uuid:{16d14ae2-9463-45b4-91de-95a846c0f377},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/2026/veranstaltungen/leila-hekmat}}}">Leila Hekmat</a>, dem <a href="${link:{uuid:{fd3f9e70-97e8-46fb-b639-fc701f8d4039},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/baubau/veranstaltungen/baubau-play-day-pop-up-26}}}">gro&szlig;en Pop-up</a> unseres Spielorts BAUBAU und der Er&ouml;ffnung der Ausstellung von <a href="${link:{uuid:{baa82be9-6411-41e5-806b-4889004c8459},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/2026/ausstellungen/peter-hujar-liz-deschenes}}}">Peter Hujar / Liz Deschenes</a> startet. Weitere Informationen findet ihr unter <a href="${link:{uuid:{62c3018b-bb40-46ce-8019-646ec5cd2e4a},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/besuch/informationen}}}">Informationen &amp; Tickets</a>.

Bis bald

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Balkan Erotic Epic. The Exhibition

Marina Abramović

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Mit Andrew Durbin, Biliana Voutchkova, Gary Schneider, Queer Analog Darkroom und Selin Davasse – Eintritt frei

Sp&auml;tschicht x C/O Berlin

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Fallback-Bild Musikfest Berlin

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Tickets f&uuml;r zehn ausgew&auml;hlte Konzert-Highlights des Musikfest Berlin, das 2026 auch im Zeichen des 75-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums der Berliner Festspiele steht, sind erh&auml;ltlich. Auf dem Programm stehen unter anderem Gy&ouml;rgy Ligetis grotesk-humorvolle Anti-Oper Le Grand Macabre und George Gershwins Porgy and Bess.

Musikfest Berlin

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2026 feiern die Berliner Festspiele ihr 75-j&auml;hriges Bestehen. &Uuml;ber das gesamte Jahr verteilt thematisieren ausgew&auml;hlte Programmpunkte dieses Jubil&auml;um oder nehmen es zum Anlass f&uuml;r Veranstaltungen im Haus der Berliner Festspiele, im Gropius Bau, in der Philharmonie Berlin, auf der Berliner Ringbahn und an anderen Orten in der Stadt.

75 Jahre Berliner Festspiele

Fallback-Bild Theatertreffen

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Der Spielplan ist online. Der Vorverkauf beginnt am 18.&nbsp;April um 10:00&nbsp;Uhr.

Theatertreffen

Mehr Berliner Festspiele

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Der Spielplan ist online. Tickets sind ab sofort erh&auml;ltlich. Ausgew&auml;hlt aus &uuml;ber 700&nbsp;Produktionen zeigt das Theatertreffen im Mai wieder die 10&nbsp;bemerkenswertesten Inszenierungen des Jahres. Erg&auml;nzt wird das Festival durch das neue Format Mehr Drama! sowie durch von Matthias Dell kuratierte Gespr&auml;che zu &auml;sthetischen, gesellschaftlichen und kulturpolitischen Fragen.

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Die Praxis – Was K&uuml;nstler*innen bewegt

Die Buchreihe Die Praxis – Was K&uuml;nstler*innen bewegt l&auml;dt K&uuml;nstler*innen ein, eine T&auml;tigkeit in den Mittelpunkt zu stellen, die sie aus&uuml;ben, die sie beeinflusst hat oder die sie schon lange begleitet. Im dritten Band der Reihe &Uuml;ber Erotik spricht die Performancek&uuml;nstlerin Marina Abramović &uuml;ber weibliche Sexualit&auml;t nach der Menopause, &uuml;ber die Erotik der Masse und ihre Liebe zum Planeten.

Marina Abramović: &Uuml;ber Erotik

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Ein lebendiger Ort f&uuml;r Begegnungen mit Kunst und miteinander

Mitten in Berlin gelegen ist der Gropius Bau ein lebendiger Ort f&uuml;r Begegnungen mit Kunst und miteinander. Das international bedeutende Ausstellungshaus ist Teil der Berliner Festspiele und bietet Raum f&uuml;r gro&szlig;e Ausstellungen und Performances zeitgen&ouml;ssischer K&uuml;nstler*innen – und damit f&uuml;r neue Perspektiven auf das Hier und Jetzt.

&Uuml;ber den Gropius Bau

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Die Buchreihe Die Praxis – Was K&uuml;nstler*innen bewegt l&auml;dt K&uuml;nstler*innen ein, eine T&auml;tigkeit in den Mittelpunkt zu stellen, die sie aus&uuml;ben, die sie beeinflusst hat oder die sie schon lange begleitet. Im zweiten Band der Reihe blickt die K&uuml;nstlerin, Performerin und Autorin Vaginal Davis gemeinsam mit ehemaligen Band-Kolleg*innen auf die schl&uuml;pfrigen Underground-Szenen von Los Angeles und Berlin zur&uuml;ck.&nbsp;&Uuml;ber gef&auml;hrliches Terrain erz&auml;hlt von vergangenen Auftritten, spektakul&auml;ren Live-Performances und gut geh&uuml;teten Geheimnissen.&nbsp;

Vaginal Davis: &Uuml;ber gef&auml;hrliches Terrain

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Diane Arbus gilt als eine der vision&auml;rsten und einflussreichsten K&uuml;nstlerinnen des 20. Jahrhunderts, die mit ihren ausdrucksstarken Schwarz-Wei&szlig;-Fotografien &auml;sthetische Konventionen radikal infrage gestellt hat. Mit&nbsp;Diane Arbus: Konstellationen&nbsp;pr&auml;sentiert der Gropius Bau die bislang umfassendste Ausstellung ihres Werks.

Diane Arbus: Konstellationen

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Ligia Lewis z&auml;hlt zu den zentralen Protagonist*innen einer Neuausrichtung von Performance im Kontext Bildender Kunst. Die Einzelausstellung&nbsp;I’M NOT HERE FORRRRR…&nbsp;umfasst neue und bereits existierende Arbeiten der K&uuml;nstlerin, die um Themen wie Race, Gender, Gewalt und Widerstand kreisen.

Ligia Lewis:I’M NOT HERE FORRRRR...

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Mit BAUBAU hat die K&uuml;nstlerin Kerstin Br&auml;tsch einen kostenlosen Spielort f&uuml;r Kinder gestaltet, in dem mehr erlaubt ist als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau R&auml;ume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivit&auml;ten der Kinder bestimmt werden.&nbsp;

BAUBAU: Ein Spielort f&uuml;r Kinder

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Welche Bedeutung hat Spiel im &ouml;ffentlichen Raum? Gabriela Burkhalters Pr&auml;sentation&nbsp;Spielen in der Stadt&nbsp;geht der Geschichte des Spielplatzes seit seiner Entstehung um 1900 bis heute nach. Die kostenlos zug&auml;ngliche Pr&auml;sentation ist in zwei R&auml;umen neben dem Eingang von BAUBAU zu sehen.

Spielen in der Stadt:&nbsp;Eine kurze Geschichte von 1900 bis heute

Aktuell im Gropius Bau

Diane Arbus gilt als eine der vision&auml;rsten und einflussreichsten K&uuml;nstlerinnen des 20. Jahrhunderts, die mit ihren ausdrucksstarken Schwarz-Wei&szlig;-Fotografien &auml;sthetische Konventionen radikal infrage gestellt hat. Mit Diane Arbus: Konstellationen pr&auml;sentiert der Gropius Bau die bislang umfassendste Ausstellung ihres Werks. Viele der 454 Fotografien werden im Rahmen der &Uuml;berblicksschau zum ersten Mal gezeigt und bieten neue Perspektiven auf die ikonischen Portr&auml;ts und das vielf&auml;ltige Schaffen der K&uuml;nstlerin.

Ligia Lewis z&auml;hlt zu den zentralen Protagonist*innen einer Neuausrichtung von Performance im Kontext Bildender Kunst. In ihrer vielschichtigen Praxis verbindet sie Performance, Live-Installation und Film. Ab Herbst 2025 zeigt der Gropius Bau mit I’M NOT HERE FORRRRR… die bisher gr&ouml;&szlig;te Einzelausstellung der K&uuml;nstlerin und Choreografin. Sie umfasst neue und bereits existierende Arbeiten, die um Themen wie Race, Gender, Gewalt und Widerstand kreisen.

Ligia Lewis: I’M NOT HERE FORRRRR…

Aktuelle Ausstellungen

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Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision

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Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Mit BAUBAU hat die K&uuml;nstlerin Kerstin Br&auml;tsch einen kostenlosen Spielort f&uuml;r Kinder gestaltet, in dem mehr erlaubt ist als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau R&auml;ume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivit&auml;ten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor f&uuml;r das, was hier passiert.

BAUBAU

Spielen in der Stadt

Eine kurze Geschichte von 1900 bis heute

Welche Bedeutung wurde und wird dem Spiel im &ouml;ffentlichen Raum heute gegeben? Als Erweiterung von BAUBAU, unserem kostenlosen Spielort f&uuml;r Kinder, sp&uuml;rt Gabriela Burkhalters Pr&auml;sentation Spielen in der Stadt der Geschichte des Spielplatzes seit seiner Entstehung um 1900 bis heute nach. Die kostenlos zug&auml;ngliche Pr&auml;sentation ist in zwei R&auml;umen neben dem Eingang des Spielorts zu sehen.

Spielen in der Stadt

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Marina Abramović, eine der einflussreichsten zeitgen&ouml;ssischen K&uuml;nstler*innen, pr&auml;sentiert mit Balkan Erotic Epic. The Exhibition im Gropius Bau ihre erste gro&szlig;e Einzelausstellung in Berlin seit den 1990er Jahren. Die Ausstellung vereint historische Werke und neue Arbeiten der Performance-K&uuml;nstlerin und zeichnet ihr anhaltendes Interesse an Ritualen, Erotik, Tod und dem K&ouml;rper als Ort politischen Widerstands nach.

Marina Abramović: Balkan Erotic Epic. The Exhibition

Aktuell &amp; Vorschau

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Mit Andrew Durbin, Biliana Voutchkova, Gary Schneider, Queer Analog Darkroom und Selin Davasse

Am 26. M&auml;rz richtet Sp&auml;tschicht x C/O Berlin anl&auml;sslich der Ausstellung <a href="${link:{uuid:{baa82be9-6411-41e5-806b-4889004c8459},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/2026/ausstellungen/peter-hujar-liz-deschenes}}}">Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision</a> den Blick auf Fotografie im Spannungsfeld von st&auml;dtischem Raum, Sichtbarkeit und Widerstand. Euch erwarten Performances, ein Workshop, ein Screening und eine Lesung. Der Eintritt ist frei.

Unser Fr&uuml;hjahrsprogramm startet Mitte M&auml;rz mit dem wiederer&ouml;ffneten Spielort <a href="${link:{uuid:{df42e57d-a14a-4b44-a5e4-9d3e7dcab5a6},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/baubau}}}">BAUBAU</a> (ab 22. M&auml;rz)&nbsp;und den Ausstellungen <a href="${link:{uuid:{55d64239-53fe-4b12-8567-a63191c6cae4},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/2025/ausstellungen/vaginal-davis}}}">Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt</a>&nbsp;(ab 21. M&auml;rz)&nbsp;und <a href="${link:{uuid:{9618c701-bd05-432e-b688-5943e1f7fc57},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/programm/2025/ausstellungen/yoko-ono}}}">YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND</a>&nbsp;(ab 11. April). Weitere Details zu unseren &Ouml;ffnungszeiten und&nbsp;Tickets&nbsp;findet ihr unter <a href="${link:{uuid:{62c3018b-bb40-46ce-8019-646ec5cd2e4a},repository:{website},path:{/bfs-de/gropius-bau/besuch/informationen}}}">Informationen &amp; Tickets</a>. Wir freuen uns auf euch!

Wir sehen uns im M&auml;rz!

Persistence of Vision

Peter Hujar, der in der Zeit zwischen den Stonewall-Protesten von 1969 und dem Ausbruch der AIDS-Krise in den 1980er Jahren in New York City arbeitete, hielt eine entscheidende kulturelle Phase in eindringlichen Schwarz-Wei&szlig;-Fotografien fest. Die Ausstellung Persistence of Vision vereint Hujars Fotografien und Werke der in New York City lebenden K&uuml;nstlerin Liz Deschenes und bringt diese in einen generations&uuml;bergreifenden Dialog &uuml;ber Fotografie.

Peter Hujar / Liz Deschenes

Ein Spielort f&uuml;r Kinder

Von Sandgrube bis Abenteuerspielplatz – die Entwicklung von Spielorten in der Stadt ist vielseitig. Welche Bedeutung wurde und wird dem Spiel im &ouml;ffentlichen Raum heute gegeben? Als Erweiterung von BAUBAU, unserem kostenlosen Spielort f&uuml;r Kinder, sp&uuml;rt Gabriela Burkhalters Pr&auml;sentation Spielen in der Stadt der Geschichte des Spielplatzes seit seiner Entstehung um 1900 bis heute nach. Die kostenlos zug&auml;ngliche Pr&auml;sentation ist in zwei R&auml;umen neben dem Eingang des Spielorts zu sehen.

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Ab 4. September

<h3>Zur Ausstellung</h3>
Zum ersten Mal ist dem weltweit berühmten japanischen Künstler Hokusai (1760–1849) in Deutschland eine große Retrospektive gewidmet. Sein wohl bekanntestes Bild ist der Holzschnitt „Die große Welle bei Kanagawa“ aus der Serie: „36 Ansichten vom Berg Fuji“ (1823–29). Über 440 Leihgaben, die bis auf wenige Ausnahmen aus Japan kommen, werden in der Ausstellung im Martin-Gropius-Bau in Berlin zu sehen sein. NAGATA Seiji, der bedeutendste japanische Kenner des Werkes von Hokusai, kuratiert die Ausstellung, die nur in Berlin zu sehen ist. Werke aus allen Schaffensperioden, Holzschnitte und Zeichnungen, illustrierte Bücher und Malerei werden gezeigt.
Mit einer Umfrage erkundete im Jahre 2000 das Magazin „Life“, wer die bedeutendsten Künstler der Kunstgeschichte weltweit seien. Hokusai kam auf Platz 17, noch vor Picasso. In der Ausstellung, welche die gesamte, mehr als 70-jährige kreative Zeit Hokusais umfasst, kann man sich von der Genialität dieses großen Künstlers überzeugen. Über 30 Künstlernamen gab er sich im Laufe seines Lebens. Unter einem dieser Namen – Hokusai – ist er heute international bekannt. Sein vollständiger Name ist Katsushika Hokusai.
Im Jahre 1760 wird Hokusai in Honjo, einem Stadtteil von Edo geboren. Honjo ist heute ein Teil des Stadtbezirks Sumida in Tōkyō. Edo wurde nach der Meiji-Restauration 1868 in Tōkyō umbenannt. Die Stadtverwaltung von Sumida plant, dem weltberühmten Künstler, der den größten Teil seines Lebens in ihrem Bezirk verbracht hat, ein neues Museum zu widmen. Teile jener für das Museum vorgesehenen Sammlung sind nun für einige Wochen in Berlin zu sehen. Viele der Werke haben Japan noch nie verlassen.
<h3>Hokusai und Ukiyo-e (Bilder der vergänglichen Welt)</h3>
Hokusais Vater kam aus Uraga in der Nähe von Edo, vor dessen Küste im Juli 1853, vier Jahre nach Hokusais Tod, der amerikanische Commodore Perry mit seinen „Schwarzen Schiffen“ auftauchen sollte, um darauf zu dringen, dass die seit 1635 bestehende Abschließungspolitik (sakoku) Japans beendet würde. Zeitweise wird Hokusai von seinem Onkel adoptiert, einem Spiegelmacher, der für den Hof des Shōgun arbeitet. Mit sechs kann er zeichnen. Mit 12 arbeitet er in einer der vielen Leihbüchereien von Edo. Bereits mit 18 ist er ein Meister im Holzschnitt. Der vielfarbige Farbholzschnitt wird in Japan seit den 1740er Jahren angewandt und erreicht in den 1790er Jahren einen ersten Höhepunkt. Hokusai hat großen Anteil daran. Mit bis zu 70 Farbplatten für einen einzigen Holzschnittdruck arbeiteten damals mehrere Künstler zusammen. Doch mit 22 Jahren will Hokusai eher Zeichner als Holzschneider sein.
Damals hatten sich die japanischen Papierhersteller und Verleger klugerweise auf die Herstellung von nur zwei Papierformaten (ōban und chūban) geeinigt, eine Rationalisierungsmaßnahme, die hohe Druckauflagen bei sinkenden Preisen ermöglicht.
Bilder von schönen Frauen (bijin-ga), von Sumo-Ringern (sumo-e), deren Arenen in Honjo-Sumida errichtet waren, von Kabuki-Schauspielern, deren Theater sich in Honjo-Sumida befanden – es sind Ukiyo-e, Bilder der fließend-vergänglichen (Unterhaltungs-)Welt, welche die Holzschneider in großer Zahl fertigen – lag doch auch das berühmte Vergnügungsviertel Yoshiwara in der Nähe von Honjo-Sumida. Fliegende Händler verkaufen die Bilder in ganz Japan. Das bürgerliche Publikum zählt zu den Hauptabnehmern. Der Begriff ukiyo meint auch eine unbeständige Welt in buddhistischem Sinne, lehrte Buddha doch auch die Vergänglichkeit aller Dinge. Doch auch Darstellungen von Blumen und Pflanzen, mit naturwissenschaftlicher Präzision gezeichnet, Illustrationen zu Romanen – schon um 1780 wurden 650 Romane gedruckt – oder klassischen Schriften wie Szenen aus dem Leben des Prinzen Genji, gehören in jener Zeit zum Repertoire eines Zeichners und Holzschnittkünstlers. Allein über 1000 Romanillustrationen entstehen damals aus Hokusais Hand.
Ein, wenn auch geringer, europäischer Einfluss auf die Kunst entwickelt sich, seit um 1770 Zograskopen und Guckkästen in Japan auf den Markt kommen, die das europäische Publikum schon seit einiger Zeit begeisterten. Holländer führen die Geräte über Nagasaki ein. Japanische Künstler lernen, in Zentralperspektive zu zeichnen. Es sind meist Szenen des für Japan Fremden, Ansichten von Holland zum Beispiel, welche die Künstler als Sujets für eine Verwendung der Zentralperspektive wählen. Die japanische Tradition der Darstellung von Perspektive war eine andere und geht auf sehr viel ältere Maltraditionen zurück. Die Guckkastenbilder mit ihren Szenen aus allen Bereichen der damals bekannten Welt geben dem Betrachter das Gefühl, sich mitten im Geschehen zu befinden. Es ist eine Art globales Fernsehen des 18. Jahrhunderts. Auch Hokusai entwirft Guckkastenbilder und befasst sich intensiv mit der Zentralperspektive.
Bereits um 1700 hat Edo 1,2 Millionen Einwohner. Es ist ein reiches und spendierfreudiges Publikum, in dessen Umgebung Hokusai aufwächst: Kaufleute und Samurai (Schwertadel), Daimyō (Fürsten) und Hofleute. Bücher erreichen schon damals leicht 13.000 Exemplare Auflage. Von einer Holzplatte konnte man viele hundert Abzüge herstellen. Millionenfach werden die farbigen Drucke verkauft. Hokusai wird für die Wandlungsfähigkeit seines Stils weithin gerühmt. Wiewohl er „Manga“ nicht erfunden hat, so ist sein Skizzenbuch „Hokusai-Manga“ noch heute weltweit bekannt und als Nachdruck auf dem Markt. Dabei ist es „nur“ ein Malhandbuch, entstanden als Holzschnittdruck in mehreren Bänden seit 1814, auf der Basis von etwa 4000 Zeichnungen aus Hokusais Hand. Betrachtet man sie heute, so wirken sie wie eine Schilderung des Lebens in Japan, reich an Informationen aber auch an stupender gestalterischer Finesse. Man sagt, Hokusai habe auch an die 150 Bilder gemalt, doch nicht alle sind heute erhalten. Einige werden in Berlin zu sehen sein, darunter ein Selbstporträt.
Fast 90 Jahre wird Hokusai alt, weit über 70 Jahre dauert seine Schaffensperiode. Noch bis ins hohe Alter ist er aktiv. In seinem Nachwort zu einer 1834 gedruckten Ausgabe des Werkes „100 Ansichten des Berges Fuji“ schreibt er, der zuletzt eher als Maler denn als Holzschneider und Zeichner gesehen werden wollte: „Seit meinem sechsten Lebensjahr habe ich Dinge meiner Umgebung abgezeichnet. Seit ich 50 Jahre alt wurde, veröffentliche ich fortlaufend viele Werke. Doch waren meine Arbeiten vor dem 70. Lebensjahr unbedeutend. Erst mit 73 Jahren habe ich ein wenig von der Anatomie der Tiere und vom Leben der Pflanzen begriffen. Wenn ich mich darum bemühe, werde ich mit 80 weitere Fortschritte machen und mit 90 hinter die letzten Geheimnisse kommen können. Und wenn ich dann 100 Jahre alt bin, werden sich die einzelnen Striche und Punkte ganz von allein mit Leben füllen. Möge der Gott des langen Lebens dafür sorgen, dass diese meine Überzeugung kein leeres Wort bleibt.“
<h3>Hokusai-Rezeption in Europa</h3>
Die Rezeption des Werkes von Hokusai im Europa des 19. Jahrhunderts ist überwältigend. Schon die Holländer, mit denen Hokusai trotz strenger Kontrollen direkt verkehren kann, bringen noch zu seinen Lebzeiten seine Farbholzschnitte und Malerei nach Europa.
Für Kapitän Bloemhoff, der von 1817 bis 1822 der Leiter der holländischen Handelsniederlassung in Deshima war, soll Hokusai 40 Bilder gemalt haben. Franz von SIEBOLD, ein deutscher Arzt aus Würzburg, der von 1823 bis 1829 in holländischen Diensten auf Deshima tätig war, sammelt Werke von Hokusai, die sich noch heute in mehreren europäischen Sammlungen befinden. Siebold reproduziert bereits 1858 eines seiner Werke in seinem enzyklopädischen Japanbuch „Nippon – Archiv zur Beschreibung Japans ...“. Damit beginnt der Siegeszug Hokusais in Europa und USA. Bereits 1862 findet in Paris eine erste Ausstellung mit japanischer Kunst statt. Ernest Fenollosa widmet Hokusai 1893 eine erste Retrospektive im Westen, im Boston Museum of Fine Arts. 1901 werden im Wiener Kunstgewerbemuseum über 600 Werke von Hokusai gezeigt. 1913 folgt eine große Ausstellung in Paris. Eine erste Biographie erscheint bereits 1880 auf dem europäischen Markt, schon 1896 eine zweite in Paris, verfasst von Edmond DE Goncourt. In der damaligen Hauptstadt der Kunst sind Hokusai und seine japanischen Künstlerkollegen Tagesgespräch. Ein Dutzend Galerien konkurrieren um Käufer; sie vertreten etwa vier Dutzend japanische Künstler in Europa, unter ihnen Harunobu, der etwas älter als Hokusai ist, Utamaro, ein Zeitgenosse, Hiroshige und Kunisada, beide sehr viel jünger als Hokusai, um nur einige zu nennen. Viele europäische Künstler jener Zeit lassen sich vom Werk Hokusais beeinflussen und sammeln seine Holzschnitte: Degas, Gauguin, Jawlensky, Klimt, Marc, Macke, Manet (der Zola vor einem japanischen Holzschnitt portraitiert), Monet (der einige hundert japanische Holzschnitte sammelt), Mucha, Pissarro, Toulouse-Lautrec, Whistler, Valloton, van Gogh und andere. Samuel BING, dessen 1895 in Paris eröffnete Galerie „L’art Nouveau“ einem neuen Stil seinen Namen gab, der als Jugendstil seinen Siegeszug über ganz Europa antreten wird, begann als Händler japanischer Kunst. Japanische Kunst wird zwischen 1860 und 1920 zu einer großen Mode in ganz Europa und den USA. Hokusai aber konnte den Erfolg seiner Kunst in Europa nicht mehr erleben.
<h3>Historischer Rückblick: Die Entwicklung der Stadt Edo seit 1600</h3>
Shōgun Tokugawa Ieyasu, der von 1603 bis 1605 regierte, gelingt es, Japan nach einem langen Bürgerkrieg zu befrieden. Seinen Regierungssitz errichtet er in Edo, heute Tōkyō, fern der alten Stadt Kyōto, wo der japanische Kaiser damals relativ einflusslos residierte. Man könnte die Herrschaftsform des Tokugawa-Clans eine Militärdiktatur nennen, mit dem Shōgun als Generalfeldmarschall. Der Shōgun, von einer strengen Auslegung des Konfuzianismus beeinflusst, befürwortet eine starre soziale Hierarchie: an der Spitze die Samurai. Sodann kamen die Bauern und Handwerker und am Fuß der sozialen und gesellschaftlichen Pyramide die Kaufleute. Letztere wurden aber nicht daran gehindert, sehr reich zu werden. So können sie später, ob des ständigen Geldmangels der Regierung, das Recht Schwerter zu tragen, auch kaufen. 1639 werden Portugiesen und Spanier, als Vertreter der katholischen Mächte Europas, von Tokugawa Iemitsu, dem dritten Shōgun, des Landes verwiesen, das sie etwa 90 Jahre zuvor erreicht hatten. Japan wollte nicht das Schicksal der spanischen Kolonie „Philippinen“ erleiden. Nur die seit 1600 in Japan aktiven protestantischen Holländer, wussten sie doch viel über eben diese katholischen Mächte Europas zu berichten, dürfen auf der kleinen Insel Deshima im Hafen von Nagasaki, 1300 km weit entfernt von Edo, eine Faktorei unterhalten. Für die Japaner ist Deshima das Fenster nach Europa. Alle vier Jahre muss der holländische Leiter der Handelsniederlassung nach Edo reisen und dem Shōgun über die aktuelle Entwicklung Europas und der Wissenschaften berichten. Auf einer benachbarten Insel hatten die Japaner ein zweites „Fenster“ eingerichtet. Hier durften sich Chinesen niederlassen und Handel treiben. Mit dem Königreich Korea schloss Japan diplomatische Beziehungen. Bis 1853 bleibt Japan ansonsten abgeschlossen und es währt ein „ewiger Friede“. Über 250 Jahre, bis zur Meiji-Restauration im Jahre 1868 wird der Tokugawa-Clan das Land mit harter Hand regieren.
Eine Vorsichtsmaßnahme des Shōgun Iemitsu um 1635 ließ Edo zur damals größten Stadt der Welt werden. Da er den weit über 200 Daimyō misstraut, zwingt er sie, in Edo eine Residenz zu errichten. Die Familien, insbesondere die Frauen und ältesten Söhne, sind angewiesen, als Geiseln in Edo zu leben, auch wenn der Daimyō sich in seiner Heimatprovinz aufhält. Alle zwei Jahre müssen die Daimyō nach Edo reisen, teure Geschenke übergeben und dem Shōgun Bericht erstatten. Ihr Leben ist dadurch so aufwändig, dass einige bald verarmen.
Für Edo jedoch und seine städtische Entwicklung ist das System der Residenzpflicht ein großes Konjunkturprogramm. Künstler aus ganz Japan strömen in die Hauptstadt, um die Paläste zu schmücken, Bücher zu illustrieren, zu malen. Edo wird auf diese Weise nicht nur ein wirtschaftliches, sondern auch ein künstlerisches Zentrum des Landes.
Der Rang eines Daimyō bemisst sich damals an der Menge Reis, den er in seiner Provinz ernten kann. Einer der Reichsten soll fünf Millionen Büschel Reis geerntet haben. Den Reis wiederum wollen viele Daimyō zu Geld machen, da es sehr umständlich ist, mit Reissäcken zu bezahlen. Dies ist die Chance für die Kaufleute von Edo. Sie geben Silbergeld für Reis, den sie in großen Lagerhäusern am Fluss Sumida lagern, im heutigen Stadtbezirk Sumida. Und sie werden sehr reich.
In dieser Hafengegend am Fluss Sumida lebte der Künstler Hokusai, umgeben von reichen Reishändlern, Kaufleuten und Bürgern, die sich Kunst, Bücher und Gedichte leisten können. In den 1790er Jahren, Hokusai ist um die dreißig, soll die Alphabetisierungsrate der Männer bei etwa 70 %, die der Frauen bei etwa 50 % gelegen haben. Um 1808 gibt es in Edo 600 Leihbüchereien. Bücher erscheinen in für damalige Verhältnisse großen Auflagen. Edo ist eine Stadt voller Leser und Connaisseure, die illustrierte Bücher, Farbholzschnitte und Malerei schätzen. Die quirlige Millionenmetropole Edo ist zu Zeiten Hokusais ein Paradies für Künstler.

Hokusai

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2026 feiern die Berliner Festspiele ihr 75-j&auml;hriges Bestehen. &Uuml;ber das gesamte Jahr verteilt thematisieren ausgew&auml;hlte Programmpunkte dieses Jubil&auml;um oder nehmen es zum Anlass f&uuml;r Veranstaltungen im Haus der Berliner Festspiele, im Gropius Bau, in der Philharmonie, auf der Berliner Ringbahn und an anderen Orten in der Stadt. International herausragende K&uuml;nstler*innen wie Marina Abramović, Gabriele St&ouml;tzer und Akira Takayama setzen dabei inhaltliche wie &auml;sthetische Akzente. Unter dem Titel Die gro&szlig;e Unordnung fragen die Thementage Reflexe &amp; Reflexionen zugleich nach den Herausforderungen einer neuen, multipolaren Weltordnung f&uuml;r liberale Gesellschaften und ihre Kulturinstitutionen.

75 Jahre Berliner Festspiele

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Die Massaker, Geiselnahmen und Raketenangriffe der Hamas ersch&uuml;ttern uns tief. Der grausame Angriff auf Israel am 7.&nbsp;Oktober hat uns fassungslos gemacht und erstmal auch sprachlos.

Die Berliner Festspiele zu den aktuellen Ereignissen in Israel, Gaza und Deutschland

Mit dieser Absichtserkl&auml;rung bringen wir, die unterzeichnenden Kulturorganisationen, unsere Absicht zum Ausdruck, ukrainische Theaterk&uuml;nstler:innen in unseren H&auml;usern zu empfangen, zu beherbergen und aufzuf&uuml;hren, um die ukrainische Theaterarbeit f&uuml;r die europ&auml;ische Gemeinschaft sichtbar zu machen.

Unterst&uuml;tzung der ukrainischen Kulturszene

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Im Juni 2026 ist Sasha Waltz &amp; Guests mit den Produktionen Beethoven&nbsp;7 und In&nbsp;C im Haus der Berliner Festspiele zu Gast. Zur Feier des 75. Jubil&auml;ums des Goethe-Instituts gestalten Sasha Waltz &amp; Guests au&szlig;erdem einen besonderen Abend.

Sasha Waltz &amp; Guests

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Tickets f&uuml;r zehn ausgew&auml;hlte Konzert-Highlights des Musikfest Berlin, das 2026 auch im Zeichen des 75-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums der Berliner Festspiele steht, sind bereits erh&auml;ltlich. Auf dem Programm stehen unter anderem Gy&ouml;rgy Ligetis grotesk-humorvolle Anti-Oper Le Grand Macabre und George Gershwins Porgy and Bess.

Fallback-Bild Performing Arts Season

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Die Auseinandersetzung mit Mythen und Ritualen pr&auml;gt die vierte Ausgabe der Performing Arts Season mit Arbeiten von Marina Abramović, Mario Banushi, Marie Chouinard, Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas, Ictus, Bl!ndman, Dumb Type, Damien Jalet / Kohei Nawa und Gisèle Vienne. Das Programm wird am 18. Juni ver&ouml;ffentlicht und der Ticketvorverkauf startet.

Performing Arts Season

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Die Kritiker*innen-Jury des Theatertreffens hat ihre Auswahl der 10&nbsp;bemerkenswertesten Inszenierungen f&uuml;r das Theatertreffen 2026 bekannt gegeben. Der Spielplan erscheint am 2.&nbsp;April, der Vorverkauf beginnt am 18. April um 10:00.