Ausstellungstexte

Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision vereint die Arbeiten zweier Künstler*innen in einem generationsübergreifenden Dialog, dem ein erweitertes Verständnis von Fotografie zugrunde liegt.

Die Ausstellung zeichnet Peter Hujars Karriere nach, von seinen frühen fotografischen Experimenten bis hin zu den späteren Studioaufnahmen. Hujar arbeitete in New York zwischen dem Aufkommen des Gay Liberation Movement in den 1960er Jahren und dem Ausbruch der AIDS-Krise in den 1980er Jahren. Diesen entscheidenden kulturellen Moment hielt er unter anderem in seinen berühmten Schwarz-Weiß-Porträts der New Yorker Avantgarde- und queeren Communitys fest. Seine eindringlichen Aufnahmen von städtischen Ruinen, von Tieren und der Natur nehmen Themen wie Gemeinschaft, Sexualität, Verfall und Tod in den Blick. Vor allem aber strebte Hujar in seinen Bildern nach Authentizität und Klarheit, um, wie er selbst sagte, unkomplizierte Bilder von komplizierten Motiven zu machen. 

Hujars Fotografien werden zusammen mit zeitgenössischen Arbeiten der in New York lebenden Künstlerin Liz Deschenes gezeigt. Diese Setzungen laden dazu ein, innezuhalten und Hujars Arbeiten aus einer anderen Perspektive zu erfahren. Deschenes’ Werk umfasst Skulpturen und ungegenständliche fotografische Arbeiten. In ihrer Auseinandersetzung mit den grundlegenden Elementen des Mediums – Licht, Chemie und Zeit – hinterfragt sie, was Fotografie alles sein kann. Obwohl Hujar und Deschenes sich nie begegnet sind und ihre Stile sich klar unterscheiden, teilen die beiden ein tiefes Interesse an den materiellen Möglichkeiten von Fotografie, Architektur und der Rolle von Schönheit.

Peter Hujar (1934–1987) wuchs bei seinen ukrainischen Großeltern in einer ländlich geprägten Gemeinde von New Jersey auf. Als Kind begann er, mit der Kamera seiner Mutter die Tiere und das bäuerliche Leben rund um das Haus seiner Familie zu dokumentieren. Im Alter von zwölf Jahren zog er nach New York zu seiner Mutter und seinem Stiefvater.

In der High School erkannte eine Englischlehrerin sein Potenzial und ermutigte ihn, die Fotografie weiterzuverfolgen. Nach seinem Schulabschluss arbeitete Hujar als Assistent für kommerzielle Fotograf*innen und nutzte deren Dunkelkammern, um seine eigenen Abzüge zu erstellen. Ein Fulbright-Stipendium führte ihn 1962 nach Italien, wo er Film studierte und zahlreiche Reisen unternahm. Ein Besuch der Kapuzinergruft von Palermo mit seinem damaligen Partner Paul Thek hinterließ bei ihm einen bleibenden Eindruck und weckte ein anhaltendes Interesse am Thema Sterblichkeit. Zurück in New York bewegte sich Hujar im Kreis von Künstler*innen, Schriftsteller*innen und Performer*innen des East Village und porträtierte bekannte Persönlichkeiten wie Candy Darling, William S. Burroughs und Susan Sontag. Seine Teilnahme an der Meisterklasse des Fotografen Richard Avedon im Jahr 1967 markierte einen Wendepunkt für Hujar: Er gab die kommerzielle Fotografie auf und widmete sich ganz seiner künstlerischen Praxis. Hujar fotografierte Szenen des avantgardistischen und queeren Lebens zwischen den Stonewall-Protesten gegen Polizeigewalt in der queeren Community im Jahr 1969 und der AIDS-Krise der 1980er Jahre. Seine Bilder dokumentieren die anhaltenden Kämpfe für Räume des Widerstands.

Hujar war bekannt für seinen kompromisslosen Charakter und seine penible Kontrolle der Präsentation seiner Arbeiten und erreichte zu Lebzeiten keinen Mainstream-Erfolg. Erst nach seinem Tod an den Folgen einer AIDS-bedingten Erkrankung erlangte Hujars fotografisches Werk breitere Anerkennung und Bewunderung.

Liz Deschenes wurde 1966 in Boston geboren und lebt und arbeitet in New York. Sie erhielt ihren Bachelor of Fine Arts mit einem Schwerpunkt auf Fotografie von der Rhode Island School of Design. Derzeit lehrt sie an verschiedenen Hochschulen in New York, wobei ihr Fokus auf interdisziplinärer künstlerischer Forschung liegt.

Deschenes beschäftigt sich mit den grundlegenden Aspekten der Fotografie – Licht, Chemie und Zeit – und experimentiert mit neuen Drucktechnologien und Materialien. Sie arbeitet häufig mit Glas, das sie bedruckt oder in skulpturalen Arbeiten verwendet, die keine fotografischen Elemente enthalten. Deschenes’ Werk erkundet die Möglichkeiten dessen, was Fotografie sein kann, und stellt die engen Grenzen des Mediums immer wieder infrage.

Die unverwechselbare Bildsprache der Künstlerin widersetzt sich festgelegten Bedeutungen und betont die Wandelbarkeit und Flüchtigkeit der Fotografie. Viele ihrer Arbeiten erinnern an architektonische Strukturen und interpretieren die Räume, in denen sie gezeigt werden, neu. Deschenes’ Skulpturen loten das Verhältnis von Kunst zu Architektur aus, thematisieren die Bewegung der Betrachtenden im Raum und machen sie sichtbar. Durch räumliche Anordnungen, die sich je nach Blickwinkel und Position verändern, befasst sich Deschenes’ Arbeit auf poetische Weise mit den Voraussetzungen von Wahrnehmung: Anhand welcher Mittel – körperlicher und technologischer Art – erfahren wir die Welt?